Inuit-Kunst

thumb|330px|Kellypalik Qimirpiq (*1948, Cape Dorset): „Gesichter“ (1997) Unter Inuit-Kunst versteht man üblicherweise die künstlerische Aktivität kanadischer Inuit, die um die Mitte des 20. Jahrhunderts begann und in der Folgezeit auf dem internationalen Kunstmarkt einen eigenen Sektor eroberte – den Sektor „Zeitgenössische kanadische Inuit-Kunst“. Vor dieser Zeit geschaffene künstlerische Gegenstände, die überwiegend als „funktionsbezogene Kunst“ einzustufen sind, werden dagegen im Allgemeinen der Ethnologie oder Völkerkunde zugeordnet, und sie sind dementsprechend vor allem in deren Sammlungen zu finden.

Skulpturelle Arbeiten
Solange die Inuit als Nomaden lebten, konnten sie sich künstlerische Aktivitäten nur erlauben, wenn diese keine Transportprobleme nach sich zogen. Daher schufen sie praktisch keine Kunstgegenstände nur um der Kunst willen („l’art pour l’art“); übrigens verfügten sie auch über kein Inuktitut-Wort für Kunst. Wenn sie sich auf diesem Gebiet betätigten, dann galt das meist dem Verzieren von Gegenständen des täglichen Lebens mit ästhetischen Dekorationen. Diese Art von Design ist jedoch eher kunsthandwerklichem und weniger künstlerischem Gestalten zuzurechnen, selbst wenn die Inuit dabei neben traditionellem technischem Können auch gutes geschmackliches Gefühl bewiesen.

Für solche funktionsbezogene Kunst kamen für die isoliert von der übrigen Welt lebenden Inuit naturgemäss nur in der Arktis vorkommende Materialien in Betracht, also in erster Linie Serpentin („Schlangenstein“, Steatinit) und Serpentinit (Serpentinschiefer), seltener das sehr weiche Steatit („Speckstein“ oder Talk). Auch Materialien tierischen Ursprungs wie Karibugeweihteile und (je nach Vorkommen der Tiere) Elfenbein von Walrosszähnen und Narwalstosszähnen sowie Walknochen fanden Verwendung. Tierfelle wurden durch Schabetechniken verziert.

Zeichnerische Arbeiten
Von der Zeit vor den ersten Begegnungen mit den Weissen im 16. Jahrhundert, der „Prä-Kontakt-Zeit“, bis weit ins 20. Jahrhundert liess die Kosmologie der Inuit diese an eine magische Kraft des Zeichnens glauben, der zufolge aus einem Bild allein durch den Zeichenakt Realität werden konnte. Zeichnen im Schnee oder z. B. auf reifbedeckten Flächen war tabuisiert und demgemäss Kindern streng verboten.

Offenbar hat jedoch die Aufforderung von Weissen, bestimmte Fakten oder Zustände zeichnerisch darzustellen (z. B. Landkarten zu skizzieren), dieses Tabu aufgehoben, zumal nun auch erstmals völlig neue Materialien – Papier und Zeichenstifte – zur Verfügung standen. Erzählendes Steinschnitzen und Zeichnen, eine bis heute geübte Kunst des Erinnerns an persönliche Erfahrungen des Künstlers, die eigentliche Kunst der „Post-Kontakt-Zeit“ fand hier ihren Ursprung, ohne allerdings sofort Impulse zu setzen.

Kunsthandwerkliche Arbeiten
thumb|Traditionelle Inuit-Bekleidung; links [[Parka|Amauti (Frauen-Parka) aus Robbenfell, rechts aus Karibufell (Iglulik-Region)]] thumb|Rachel Uyarasuk (*1914, [[Iglulik): Inuit-Stiefel]] In den Inuit-Camps gehörte es bis weit in das 20. Jahrhundert hinein zu den typischen Aufgaben einer Frau, Bekleidung auf traditionelle Weise aus Tierhäuten und Pelzen herzustellen, und in vielen Sommercamps wird diese Tradition noch heute gepflegt. Um Farbdifferenzierungen zu erhalten, wurden die Tierhäute unterschiedlichen Gerbprozessen unterworfen. Durch Abschaben oder Schneiden der Fellhaare gelang es, die gewünschte Wirkung noch hervorzuheben. Bei Robbenfellen entstanden Schatten- und Farbeffekte dadurch, dass das Haar unterschiedlich kurz geschoren wurde. Auch nähte man ausgeschnittene Lederteile auf das eigentliche Kleidungsstück oder fügte sie in Aussparungen ein. Auf gleiche Weise wurden allerlei Felltaschen verziert.

Mit den Walfängern, Forschern und Missionaren waren spätestens seit der Wende zum 20. Jahrhundert Wolle und Baumwolle in die Arktis gelangt. Als dann noch die Hudsonbai-Gesellschaft (Hudson’s Bay Company) ihre Handelsposten einrichtete, versetzte das die Inuit-Frauen in die Lage, alle möglichen Nähwaren im Tauschhandel zu erwerben. Es dauerte nicht lange, dann waren auf den Handarbeiten reiche Verzierungen mit bunten Wollfäden und Glasperlen zu finden; das Stickereimaterial aus dem Süden hatte die Phantasie angeregt und ganz neue Impulse gegeben.

Traditionelle Kleidungsstücke der Inuit waren bei Besuchern der Arktis sehr beliebt, und sie fanden rasch Abnehmer. Sie wurden nicht nur hier im Norden ihrem Zweck entsprechend getragen: Ihre Besitzer brachten sie vor allem auch als Souvenirs mit in den Süden und sorgten so dafür, dass Inuit-Handarbeiten allgemein bekannt wurden. Mit den Jahren, in denen sich das Transportwesen in die arktischen Gebiete ständig verbesserte, wuchs auch das Interesse des breiten Handels an solchen Handarbeiten, vor allem an Kamit (Fellstiefeln), Handschuhen und Amautit (Frauen-Parkas). Auch Tragetaschen und Wandbehänge aus Robbenhaut und kunstvolle Puppen aus verschiedensten Materialien wurden von den Frauen für den Verkauf hergestellt und mit Glasperlenstickerei oder traditionellen Designs geschmückt.

Umwelteinflüsse
Welchen Auswirkungen Umwelteinflüsse auf das künstlerische Verhalten der Inuit ausübten, zeigt sich z. B. daran, dass sich im Laufe des 19. Jahrhunderts mit dem Verschlechtern der klimatischen und damit zugleich der Überlebensbedingungen auch die technischen Standards und jegliche Art künstlerischer Ausdrucksweise der Inuit rückläufig entwickelten. Schnitzereien und Dekorationen an Gebrauchsgegenständen wurden nun wesentlich seltener und deutlich weniger differenziert durchgeführt als zuvor.

Zeitgenössische Kunst – Anfänge im 20. Jahrhundert
Bei solcher Vorgeschichte nimmt es nicht wunder, dass die heute als charakteristisch bekannte und allgemein übliche Bildhauerkunst (Steinschnitzerei) der Inuit ihren Anfang erst gegen Ende der 1940er Jahre nahm – zu der Zeit, als die Inuit aus traditionellen Camps in feste Siedlungen zogen. Zunehmende Kontakte mit Weissen („Qallunaat“ in Inuktitut) – auch als Auftraggeber – und gezielte Förderung durch die kanadische Bundesregierung, der daran gelegen war, den Inuit andere Einkommensquellen als nur das Jagen zu erschliessen, gaben den Anstoss für die neuartige Kunst.

Vom Kunsthandwerk zur Kunst
thumb|Inuit-Steinschnitzer in seiner Arbeitshütte (Napatsi Ashoona, Cape Dorset 1999) thumb|Kiugak Ashoona (*1933, Cape Dorset): „Iglu zerstörender Riese“ (1999) Wer sich mit den damals neu entfalteten Kunstformen auseinandersetzt, ist beeindruckt von deren Ursprünglichkeit, Detailgenauigkeit und Ausdruckstiefe. Inuit haben ein fast unbegrenztes, auf Erfahrung gegründetes Vertrauen in ihre schöpferischen Fähigkeiten, und ihre Einfühlsamkeit in technische Strukturen und Abläufe ist für Aussenstehende verblüffend. Man mag zu Recht bedauern, dass sich die Lebensweise der Inuit in den vergangenen Jahrzehnten unter eurokanadischem Einfluss wesentlich verändert hat und dabei kaum Zeit für abfedernde Anpassung blieb. Zudem mag man beklagen, dass viele der betroffenen Menschen bislang weder in der neuen Kultur noch in der ihrer Vorfahren heimisch sind. Etwas Aussergewöhnliches hat jedoch das Aufeinandertreffen der traditionellen Kultur der Inuit mit der einer westlichen Industrienation bewirkt: eine ungeheure Dynamisierung auf künstlerischem Gebiet, einen Aufbruch mit ungeahnter Kraft.

Das wachsende Kaufinteresse an künstlerischen Arbeiten mit typischem Inuit-Charakter führte rasch zu Bemühungen politischer, insbesondere aber an der Vermarktung interessierter Kreise, künstlerische Talente in möglichst allen Inuit-Siedlungen zu entdecken und zu fördern. Kunst sollte zukünftig eine wichtige Rolle bei der wirtschaftlichen Wertschöpfung übernehmen. Im Laufe der Zeit bilden sich so infolge der verhältnismässig abgeschiedenen Lage der einzelnen Siedlungsgebiete regionale Charakteristika heraus, die insbesondere vom Vorhandensein bestimmter Rohmaterialien, aber auch von Schulung und Beratung, Geschmack und Verkaufserfolg der Künstler geprägt werden. Den Bedürfnissen folgend entwickelt sich zunächst das herkömmlich-funktionsgebundene Gestalten weiter, vor allem als Design für traditionelle Gebrauchs- und kunstgewerbliche Gegenstände. Daneben entstehen jedoch bald auch nicht zweckgebundene, echte Kunstwerke.

Skulpturen
Dieses neue künstlerische Schaffen konzentrierte sich anfangs auf Skulpturen. Als Rohstoffe dienen vor allem Serpentin („Schlangenstein“) und Serpentinit (Serpentinschiefer) sowie Marmor (Kalziumkarbonat), aber auch andere Gesteinsarten wie Dolomit (Kalzium-Magnesium-Karbonat) und Quarz (Siliziumdioxid) verwendet – seltener der für künstlerische Figuren zu weiche „Speckstein“ (Steatit), obwohl sich gerade diese Mineralienbezeichnung im Handel am ehesten durchsetzt und sich bis heute hält. Auch Materialien tierischen Ursprungs wie Karibugeweihteile und (je nach Vorkommen der Tiere) Elfenbein von Walrosszähnen und Narwalstosszähnen sowie Walknochen finden verbreitet Anwendung. Eine Besonderheit bilden die in Rankin Inlet ausgeführten keramischen Arbeiten, die Tonminerale als Rohstoff benötigen.

Anfangs wurden die Skulpturen in mechanischer Handarbeit mit Beil, Meisel und Hammer ausgeführt; inzwischen haben sich Elektrogeräte allgemein durchgesetzt (nur manche älteren Frauen, z. B. Kenojuak Ashevak, arbeiten nach wie vor ohne elektrisches Werkzeug. Poliert wird mit Schleifpapieren verschiedenster Körnung.

Die Motive für die Skulpturen sind durch Tradition und Alltag der Inuit bestimmt, aber auch durch Verlockungen des Kunstmarkts. Eisbären finden derzeit besonderen Anklang, und so überwiegt zahlenmässig deren Darstellung in immer neuen Varianten. Doch entstammen auch andere Motive der arktischen Tierwelt, etwa Robben, Karibus und Vögel. Viele Skulpturen stellen Menschen dar – Jäger, Fischer, Mutter und Kind, teils statisch-realistisch, teils narrativ (z. B. Campszenen). Breiten Raum nehmen Skulpturen ein, die auf der traditionellen animistischen Religion der Inuit beruhen, so die Darstellung von Schamanen oder von Verwandlungen (z. B. von Menschen in Tiere und umgekehrt).

Das bildhauerische Schaffen der Inuit unterscheidet sich in einer Hinsicht wesentlich von dem europäischer Künstler: Bei Europäern steht das Motiv im Vordergrund; das Material (Stein, Bronze usw.) hat sich dem zu unterwerfen. Inuit sehen sich dagegen den Stein genau an, den sie zu einer Skulptur verarbeiten wollen, um ihm das Motiv zu entlocken, das in ihm verborgen ist; sie lassen sich durch das Material inspirieren. Wenn sie z. B. einen Eisbären gestalten wollen, dann suchen sie so lange, bis sie den Gesteinsbrocken gefunden haben, der den Eisbären umschliesst. Anders als europäische Künstler halten Inuit-Künstler auch keines ihrer Werke bei sich vorrätig; die Skulptur wird unmittelbar nach Fertigstellung zur Kooperative oder zu einem ortsansässigen Händler gebracht, damit sie sich so rasch wie möglich in barer Münze auszahlt.

Zeichnungen und Drucke
Zu Anfang der 1950er Jahre waren die für den allgemeinen Verkauf bestimmten Objekte hinsichtlich ihrer Art und Herstellungstechnik noch ganz traditionsgebunden und überwiegend kunsthandwerklich. Das ändert sich in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts grundlegend: Ein Projekt zur Herstellung von spezieller „Inuit-Druckgrafik“, das im frühen Winter 1957 in Cape Dorset startete und rasch immer grössere Bedeutung gewann, wurde nun von ganz neuen Elementen bestimmt: Diese Kunst verdankt ihre Entstehung überhaupt erst der Begegnung der Inuit mit der europäisch beeinflussten Kultur Kanadas.

Wandbehänge, Kunstpuppen
thumb|Julia Pingushat (*1948, Arviat): Wandbehang (1995) thumb|Annie Manning (*1953, Cape Dorset): Inuit-Puppe (1995) Für das traditionelle Arbeiten mit Fell und Leder brachte den Inuit der Kontakt mit den Europäern neue Materialien, vor allem Stoffe für Besatz und Glasperlen als Schmuck. Mit dem Umzug in Siedlungen entstanden erstmals künstlerische Wandbehänge – Zierstücke dieser Art wurden ja im Camp bis dahin nicht gebraucht. Ebenso wie die kunstvollen Puppen, welche die Inuit-Frauen gestalteten, bestehen die Wandbehänge überwiegend aus Düffel und Filz mit verschiedenartigen Applikationen aus denselben Materialien oder auch aus dem traditionellen Leder. In Pangnirtung entwickelte sich eine ganz besondere Art von künstlerischer Gestaltungsweise: Nach eigenen, traditionelles Kulturgut wiedergebenden Zeichnungsvorlagen weben Inuit-Frauen an aus dem Süden eingeführten Webstühlen wollene Wandteppiche, die längst weltweit bei Sammlern auf grosses Interesse stossen.

Generationen von Inuit-Künstlern

 * Gewöhnlich bezeichnet man heute die Künstlergeneration, die sich gegen Ende der 1940er Jahre mit viel Schwung und grossem Engagement der Entwicklung einer aus der Tradition geborenen, neuartigen Inuit-Kunst verschrieb, als 1. Generation zeitgenössischer Inuit-Künstler. Eine strenge Abgrenzung besteht zwar nicht, doch handelte es sich hierbei im Wesentlichen um Inuit, die in den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts und in den ersten drei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts geboren wurden; sie waren 1950 zwischen 20 und 60 Jahren alt.
 * Als 2. Generation sieht man, wiederum nur grob erfasst, die Geburtsjahrgänge zwischen 1935 und 1965 an.
 * Die später Geborenen bilden die 3. Generation. Hinsichtlich der zukünftigen Entwicklung muss sich noch erweisen, ob Kreativität und künstlerische Ausdrucksstärke der Anfangsphase unvermindert erhalten bleiben, sich selektiv ausformen oder in opportunistischen Modetrends versinken.

Kunstzentrum Cape Dorset
Eine herausragende Rolle bei der eruptiven Entwicklung künstlerischen Gestaltens in der Arktis spielte Cape Dorset (Kinngait) am Südwestrand der Baffin-Insel mit einer grossen Zahl von Künstlern, welche die Geschichte der zeitgenössischen Inuit-Skulptur mit formal meist dramatischen Arbeiten, die heroische, elegante und spielerische Züge annehmen können, wesentlich beeinflusst haben. Kaum eine andere Siedlung liess sich so intensiv wie Cape Dorset von der neuen Kunst gefangen nehmen und gab so starke Impulse an andere Kommunen weiter. Dabei glich die Situation in Cape Dorset an der Südküste der Baffininsel anfangs durchaus der auf der gegenüberliegenden Seite der Hudsonstrasse, d. h. der im arktischen Teil der Provinz Québec, dem heutigen Nunavik. Allein die Männer schnitzten Skulpturen aus Stein und wurden dabei allenfalls gelegentlich beim Polieren der Oberfläche von Kindern und Frauen unterstützt. Die Frauen trugen dagegen mit Näharbeiten und dem Flechten von Körben zur Einkommensverbesserung bei. Lange sollte das jedoch nicht so bleiben; dann wandten sich auch die Frauen der Kunst des Steinschnitzens zu.

Den Grundstock für die Bedeutung der Siedlung Cape Dorset auf dem Kunstsektor legte James A. Houston, der das ungewöhnlich grosse Potential an künstlerischer Begabung und Kreativität bei den Inuit erkannte und sich als Regierungsbeauftragter (in Zusammenarbeit mit der Canadian Art Guild) mit seiner Frau Alma 1951 für ein Jahrzehnt hier niederliess. Mit dem Ziel, den Männern Aufgaben zu stellen, die ihnen wenigstens einen gewissen Grad von wirtschaftlicher Unabhängigkeit gewähren sollten. Förderte Houston zunächst das Gestalten ausdrucksvoller Skulpturen, wobei als Rohstoffe vor allem Serpentin, Serpentinit (Serpentinschiefer) und Marmor dienten, die in nahe gelegenen Steinbrüchen mit primitiven Mitteln im Tagebau gewonnen wurden, daneben Materialien tierischen Ursprungs wie Teile von Karibugeweihen und gelegentlich Walross-Elfenbein.

Ende der fünfziger Jahre fanden die Inuit Zugang zur Technik grafischen Arbeitens. Die für die Inuit neue Kunst der Lithografie oder richtiger des dem Linolschnitt ähnelnden Steinschnitts fand bei ihnen rasch grossen Anklang und liess diesen Kunstzweig auf nicht geahnte Weise erblühen – zunächst in Cape Dorset, doch breitete sich deren Kenntnis rasch in den gesamten Nordwest-Territorien (heute Nunavut und (restliche) Nordwest-Territorien) sowie im Gebiet von Nunavik (Québec), aus.

Initiator war auch hierbei James Houston, der die Bewohner von Cape Dorset unter unermüdlichem persönlichem Einsatz vor allem mit dem Zeichnen auf Papier und mit den aus Europa und Japan stammenden Techniken vertraut machte. Solche Papierzeichnungen, die in der Folgezeit als Grundlage für Steinschnitte und Radierungen dienten, fanden zwar bei den ersten Drucken auch schon Anwendung. In erster Linie boten sich jedoch die kontrastreichen und eindrucksvollen Dekorationen handgearbeiteter Karibu- und Robbenfelltaschen und die traditionellen Schmuckzeichnungen auf Elfenbeingegenständen für das Umsetzen in Grafiken an. Neben den ehedem als Jäger und Fischer tätigen männlichen Künstlern beschäftigten sich nun auch viele Frauen mit den für sie neuen Tätigkeiten, worin sie einen Weg erkannten, zum Unterhalt der Familie beizutragen. In den bearbeiteten Themen schlug sich vielfach der ganze Schatz mündlich überlieferter Erzählungen und Legenden nieder; es entstanden sowohl „narrative“ als dekorativ-künstlerische Dokumente der Inuit-Kultur.

In Cape Dorset entwickelte sich auf diese Weise ein hervorragendes Kunstzentrum für Steinskulpturen und Druckgrafik. Den Vertrieb übernahm anfangs die Hudson’s Bay Company, die einzige Handelsgesellschaft am Ort, ehe sie 1962 von einer den Inuit selbst gehörenden Vertriebsorganisation abgelöst wurde, der West Baffin Eskimo Co-operative, die von Terry Ryan als Nachfolger James Houstons mit grossem Erfolg bis zur Jahrtausendwende geleitet wurde. Ihr verdanken die Künstler, dass sie sich auch international in namhaften Galerien durchsetzen konnten, und dass heute ihre Werke in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt zu sehen sind.

International anerkannte Künstler aus Cape Dorset sind u. a.:
 * 1. Generation: Parr (1893-1969), Peter Pitsiulak (1902-1973), Pitseolak Ashoona (1904-1983), Itidluie Itidluie (1910-1981), Abraham Etungat (1911–2000), Pauta Saila (*1916), Padluq Pudlat (1916-1993), Usuituk Ipilie (1922-2005), Miaji Pudlat (1923-2001), Kenojuak Ashevak (*1927), Qaqaq Ashoona (1928-1996), Lukta Qiatsuq (1928-2004), Kiugak Ashoona (*1933);
 * 2. Generation: Kananginak Pootoogook (*1935), Aqjangajuk Shaa (*1937), Napatsi Pootoogook (1938-2002), Kellypalik Qimirpik (*1948), Umalluq Usutsiaq (*1948), Nuna Parr (*1949), Uvilu Tunnillie (*1949), Uqituq Ashoona (*1952), Arnaguq Ashevak (*1956), Qavavau Manumie (*1958), Taqialuk Nuna (*1958), Adamie Ashevak (*1959), Pallaya Qiatsuq (*1965);
 * 3. Generation: Cie Pootoogook (1967), Tunu Sharky (*1970), Tytusie Tunnillie (*1974)

Kivalliq-Region
Neben Cape Dorset nimmt die Siedlung Baker Lake (Qamanittuaq) in der Kivalliq-Region einen hervorragenden Rang bezüglich der Gestaltung von Kunstobjekten ein. Die Förderung der Künstler und die Entwicklung spezieller Projekte hat hier etwas später, nämlich in der Mitte der 1960er Jahre, begonnen, sich dann aber rasch sehr breit durchgesetzt. Typisch für die dort gefertigten Skulpturen ist graues oder schwarzes Serpentin-Material, dessen Struktur und grosse Härte Gestalt und Motive mit bestimmen. Diese zeigen eher archaische Formen und zeichnen sich durch Dynamik und charakteristische figurative Strukturelemente aus; überflüssige Details sind kaum zu finden. Sehr verbreitet ist das Moschusochsen-Motiv. Grafisches Arbeiten nahm 1970 seinen Anfang. Zu dieser Zeit begannen auch Jack und Sheila Butler Textilkunst – in erster Line Wandbehänge – zu fördern, für die Baker Lake heute bekannt ist.

Auch in den unmittelbar an der Hudson Bay gelegenen Kivalliq-Siedlungen Rankin Inlet (Kangiqliniq), Whale Cove (Tikirarjuak) und Arviat werden archaische Formen bevorzugt. Anders als in Baker Lake tendiert die künstlerische Darstellung aber, wie verschiedene Autoren meinen, mehr zur Abstraktion, was allerdings für Textilarbeiten (Wandbehänge) nicht uneingeschränkt gilt und auch nicht für Töpferarbeiten aus Rankin Inlet.

International anerkannte Künstler aus der Kivalliq-Region sind u. a.:
 * Arviat: Luke Anautalik (*1932), Martina Pisuyui Anoee (*1933), Lucy Tassiur Tutswituk (*1934), Joy Kiluvigyuak Hallauk (1940-2000), Julia Pingushat (*1948), George Arluk (*1949)
 * Baker Lake: Luke Anguhadluq (1895-1982), Jessie Unark (1906-1985), Luke Iksiktaaryuk (1909-1977), Marion Tuu'luuq (1910-2002), Barnabus Arnasungaaq (*1924), Janet Kigusiuq (1926–2005), Victoria Mamnguqsualak (*1930), Simon Tookoome (*1934), Tuna Iquliq (1935), Irene Avaalaaqiaq (*1941; vor allem Wandbehänge).
 * Rankin Inlet: John Kavik (1897-1993 / Keramikarbeiten), John Tiktak (1916-1981)

Pangnirtung
Ein drittes in Nunavut gelegenes Kunstzentrum entwickelte sich in Pangnirtung (Panniqtuuq) im südöstlichen Teil der Baffin-Insel, wo vorzugsweise ausdrucksstarke Wandbehänge im Uqqurmiut-Zentrum für Kunst und Kunsthandwerk gewebt werden, aber auch bedeutende grafische Arbeiten neben kunsthandwerklichen Gegenständen entstehen.

International anerkannte Künstler aus Pangnirtung sind u. a.:
 * Elisapee Ishulutaq (*1925), Annie Kilabuk (*1932), Andrew Qappik (*1964)

Sonstige Siedlungen

 * Weitere Siedlungen in Nunavut, in denen talentierte Inuit-Künstler arbeiten, sind: Arctic Bay (Ikpiarjuk), Gjoa Haven (Ursuqtuq), Hall Beach (Sanirajak), Iglulik, Iqaluit, Kimmirut, Kugaaruk (ehem. Pelly Bay), Kugluktuk (ehem. Coppermine), Pond Inlet (Mittimatalik), Qikiqtarjuaq (ehem. Broughton Island), Repulse Bay (Naujat), Sanikiluaq (auf den Belcherinseln) und Taloyoak (ehem. Spence Bay);
 * in den Nordwest-Territorien liegt die durch Kunst bekannte Siedlung Holman (Uluqsaqtuuq), ebenso die Siedlung Paulatuk;
 * in Nunavik, dem arktischen Teil von Québec sind drei Siedlungen hervorzuheben: Inukjuaq, Puvirnituq (ehem. Povungnituk) und Salluit (ehem. Sugluk).

International anerkannte Künstler aus diesen Siedlungen sind u. a.:
 * Gjoa Haven: Judas Ullulaq (1937–1999)
 * Iglulik: Luke Airut (*1942), Germaine Arnaktauyok (*1946, jetzt in Yellowknife ansässig)
 * Taloyoak: Maudie Rachel Ukittuq, (*1944)
 * Holman: Helen Kalvak (1901-1984), Elsie Anaginak Klengenberg (*1946)
 * Paulatuk: David Ruben Piqtoukun (*1950, jetzt in Toronto ansässig), Abraham Anghik Ruben (*1951, jetzt in Salt Spring Island, BC ansässig)
 * Puvirnituq: Joe Talirunili (1899-1976), Davidialuk Alasua Amittu (1910-1976), Josie Pamiutu „Puppy“ Papialuk (1918-1996)

Kunst als Faktor für Wertschöpfung
Zeitgenössische Inuit-Kunst hätte sich auf dem Kunstmarkt wohl kaum ohne die Einrichtung von lokalen Kooperativen so durchsetzen können, dass sie heute als bedeutender Wertschöpfungsfaktor für Nunavut gilt. Diese meist unter dem Management von Weissen aus dem Süden stehenden Kooperativen verbanden erfolgreich wirtschaftliches Denken mit traditionellen Werten und Tätigkeiten.

Längst hat der Vertrieb von Serpentinskulpturen, Grafik und Wandbehängen dem Handel mit Jagderzeugnissen (Felle, Geweihe, Elfenbeinstosszähne) den Rang abgelaufen; die Jahresumsätze auf dem Handelssektor Kunst und Kunsthandwerk haben den zweistelligen Millionenbereich erreicht. Vermutlich haben sich in nur wenige Regionen auf der Erde Kunst und Kunsthandwerk anteilig zur Bevölkerung zu einem derart bedeutenden Wertschöpfungsfaktor entwickelt wie in dem rund 30.000 Einwohner zählenden Territorium Nunavut.

Literatur

 * Maria Bouchard: An Inuit Perspective – Baker Lake Sculpture; 2000 ISBN 0-9687071-0-6
 * Lorraine E. Brandson: Carved from the Land; Churchill MB 1994 ISBN 0-9693266-1-0
 * Richard C. Crandall: Inuit Art – A History; Jefferson, NC 2000 ISBN 0-7864-0711-5
 * Maria von Finckenstein (Hrsg.): Celebrating Inuit Art 1948 - 1970; Hull (Gâtineau) 1999 ISBN 1-55263-104-4
 * Maria von Finckenstein (Hrsg.): Nuvisavik – The place where we weave; Hull (Gâtineau) 2002 ISBN 0-7735-2335-9
 * Carol Finley: Art of the Far North – Inuit Sculpture, Drawing, and Printmaking; Minneapolis 1998 ISBN 0-8225-2075-3
 * Susan Gustavison: Arctic Expressions – Inuit Art and the Canadian Eskimo Arts Council; Kleinburg ON 1994 ISBN 0-7778-2657-7
 * Susan Gustavison (Hrsg.): Northern Rock – Contemporary Inuit Stone Sculpture; Kleinburg ON 1999 ISBN 0-7778-8564-6
 * Ingo Hessel: Inuit Art; New York 1998 ISBN 0-8109-3476-0
 * Gerhard Hoffmann (Hrsg.): Im Schatten der Sonne – Zeitgenössische Kunst der Indianer & Eskimos in Kanada. Stuttgart 1988, ISBN 3-89322-014-3
 * Alma Houston (Hrsg.): Inuit Art – An Anthology, Winnipeg MB 1988 ISBN 0-929486-21-5
 * Odette Leroux, Marion E. Jackson & Minnie Audla Freeman (Hrsg.): Inuit Women Artists; Vancouver 1994 ISBN 1-55054-131-5
 * Derek Norton, Nigel Reading & Terry Ryan: Cape Dorset Sculpture; Vancouver & Seattle 2005 ISBN 0-295-98478-3
 * Jill Oakes & Rick Riewe: Die Kunst der Inuit-Frauen – Stolze Stiefel, Schätze aus Fell; München 1996 ISBN 3-89405-352-6
 * George Swinton: Sculpture of the Inuit; Revised and Updated 3. Edition, Toronto 1999 ISBN 0-7710-8366-1
 * Ansgar Walk: Kenojuak – Lebensgeschichte einer bedeutenden Inuit-Künstlerin. Bielefeld 2003, ISBN 3-934872-51-4

Weblinks

 * Kunst und Leben der kanadischen Inuit
 * Botschaft von Kanada in Berlin: Zeitgenössische Inuit-Kunst

Dieser Artikel basiert auf dem Artikel Inuit-Kunst (Kanada) aus der freien Enzyklopädie Wikipedia und steht unter der GNU-Lizenz für freie Dokumentation. In der Wikipedia ist eine Liste der Autoren verfügbar.